Entrevista a Julie Legrand 

Cuéntanos un poquito sobre ti, ¿cuál es el camino que te ha traído hasta aquí?

Tras mis estudios en la ESAL (Epinal, Francia), donde me formé en ilustración y comencé a interesarme por la serigrafía y el monotipo, continué en esa segunda dirección realizando el Máster de Obra Gráfica de la Fundación CIEC (Betanzos, A Coruña, España). Ya que siempre había tenido ganas de vivir en el extranjero, de hablar castellano, y dándome cuenta del interés que estaba desarrollando hacia las técnicas de estampación, la oportunidad de continuar mis estudios de una forma menos convencional, más práctica que teórica, en el CIEC, me pareció una gran oportunidad. Además, esto me permitía tener acceso a un taller con multitud de herramientas y una metodología de trabajo profesional. Lo que me aportó el máster no fue únicamente conocimientos técnicos y habilidades creativas, sino también la posibilidad de acercarme y conocer una nueva red aquí en España. Por tanto, participé en la feria de Alma Gráfica en Oviedo en junio de 2019, y así fue como conocí a Ora Labora Studio. Durante la feria intercambiamos unas obras. A ambos nos gustaba el trabajo del otro y, desde entonces, mantuvimos el contacto a través de redes. ¡Tenia que llegar el momento de hacer algo juntos !

Tu trabajo suele estar integrado por obra gráfica, ¿qué es lo que más te atrae del mundo del grabado y de la estampación?  

Lo que más me atrae en el mundo del grabado y de la estampación es el proceso. La sensación que tengo en el momento de desarrollar un proyecto de estampa es, literalmente, la de estar fabricando la imagen. El aspecto artesanal, técnico, y el saber hacer que implican los métodos de impresión artesanales me animan sobre todo, y le dan a la imagen un valor inmaterial aumentado considerable. Lo que me gusta también de la estampa son sus paradojas: además de ser un objeto noble y único, numerado y firmado, y de proceder de un trabajo complejo, preciso y cuidadoso, la estampa tiene ese carácter reproductible de la imagen, así como todo lo que pertenece al mundo de la impresión en general, y por tanto, permite una difusión, una accesibilidad y hasta cierta vulgarización de la obra de arte muy cercana a unas corrientes populares, como al mundo del fanzine por ejemplo.

¿Cuáles son tus influencias y referentes?

Estéticamente, creo que los artistas que más influyen sobre mi trabajo ahora mismo son los de mi generación. Veo muchísima gente con muchísimo talento a mi alrededor, sobre todo gracias a las redes sociales. Y, del mismo modo que se ha vuelto nuestro mundo tan acelerado, tengo la sensación de que esa gente me permite evolucionar muy rápido en el aspecto práctico de mi proyecto artístico. El hecho de poder frecuentar diariamente el trabajo de estos artistas supone una experiencia inmersiva muy intensa que fomenta la efervescencia en el panorama actual.  Por ejemplo, el año pasado, la colaboración sobre estampación en textil y costura entre Camille Meyer y Elena Lebrun, ambas estudiantes en la HEAR (Estrasburgo, Francia), me inspiró a afrontar el textil desde otra perspectiva. Recientemente, al comprar el segundo número de « Graphure et Peinturisme » editado por Fotokino (Marsella, Francia) de Geoffroy Pithon, Benoît Bonnemaison-Fittte y Mari Kanstad Johnsen, me motivó a volver a tratar el objeto editorial. Otros artistas que me gustan son Adriana Lozano, Maria Medem, Marion Jdanoff, Yoann Estevenin, Morgane Fadanelli, Marie Boisson…

¿Qué es lo que quieres contar a través de tu trabajo?

Desde el ámbito privado construyo relatos visuales acerca de la intimidad para así retratar la cotidianidad a través de las artes gráficas. Mi interés por la ilustración está directamente relacionado con la dimensión narrativa omnipresente en mi trabajo. Mi entorno directo y las representaciones que éste me ofrece son las fuentes de inspiración principales en mi trabajo, donde  propongo una mirada personal e íntima. Al abordar estos temas en mi obra desde una perspectiva sincera, comunico directamente mis impresiones de la manera más auténtica posible, anteponiendo la primacía del placer por el color y el uso tanto delicado como expresivo de la línea. 

¿Por qué crees que el arte contemporáneo no llega a muchas personas? ¿Qué aspectos crees que podrían mejorar?

Creo que el arte contemporáneo sigue estando inaccesible hoy en día simplemente por una cuestión de lenguaje. Consideramos como arte contemporáneo un ámbito muy concreto de la creación actual que se manifiesta de forma elitista y erudita, enfocada a un público iniciado en una cierta cultura e historia del arte, para poder acceder al discurso de sus artistas y a sus obras. Yo diría que se trata de definir el arte contemporáneo de manera menos exclusiva y reduccionista. Es decir, no solo dentro de ese ámbito concreto, sino como un territorio muchísimo más amplio que contenga también a dicha parcela. Contemporáneo, por definición, se refiere a una simultaneidad de época, a una simple noción de temporalidad, así que toda forma de arte actual puede ser considerada como arte contemporáneo. Por tanto, nuestro deber es ofrecer al público una visión más cercana y certera acerca de la noción errónea del arte contemporáneo.  Creo que nos concierne a todos intentar valorar otras manifestaciones artísticas con menos discurso pero no menos importantes, como la ilustración o el diseño gráfico.

Para terminar, recomiéndanos un artista, un libro, una película y una canción 🙂

Como soy francesa, os voy a proponer de descubrir recomendaciones de mi país, no porque sea una persona muy patriótica, pero porque creo que como artista francesa, mi rol es también de valorar y promover la creación y el arte a escala local, en este caso nacional.

Como artista, os propongo descubrir el trabajo de Romane Lasserre (@lasserreromi), una gran amiga mía y maravillosa ceramista que trabaja sobre microcosmos, mezclando elementos naturales como plantas o insectos con la cerámica. 

Como libro, os recomiendo Les Coquins  de Marion Fayolle, editado por Magnani. Magnani es mi editorial favorita, me parecen todas sus publicaciones de gran calidad. He elegido este libro también porque no tiene texto, así que se puede leer en cualquier parte del mundo. 

He visto hace poco la película La Pointe Courte de Agnès Varda (1954), película precursora de la Nouvelle Vague, y primer largometraje de esta cineasta fuera de norma, feminista y vanguardista muy relacionada con la noción de lo intimo. La Pointe Courte es el nombre de un barrio de Sète, la ciudad donde me he establecido hace poco, y me emocionó mucho verlo a través de la cámara de una artista tan brillante como Agnès Varda, quien está ella misma íntimamente relacionada con el lugar que retrata. 

Y, por último, como canción os propongo escuchar Je sais pas danser de Pomme, pero también todas las otras canciones de su último álbum Les Failles. La verdad es que la descubrí con sus canciones antiguas, y no me gustaba mucho lo que hacía, pero cuando sacó su último álbum, me pareció una revelación, como si de repente hubiera sacado toda la verdad y toda la autenticidad de su ser. Empecé a escuchar su música y entrevistas suyas, y es así como aprendí, en el podcast Coming Out, que sus inicios en el mundo de la música fueron tergiversados por la industria, modelando la joven que era. Entonces comprendí la sensación que tuve al notar esas diferencias entre sus inicios y su trabajo actual, y me inspiró mucho respeto hacia ella, así como mucho cariño. Diría que es realmente una artista que me gusta como persona, además de por su música. Os recomiendo escuchar entrevistas suyas, ver reportajes y escuchar sus conciertos en vivo.